C’est la première image du tournage de « Unbroken », le film qu’est en train de réaliser Angelina Jolie. Après un documentaire « A place in time » et la touchante histoire d’amour hors norme et en pleine guerre d’ex-Yougoslavie racontée dans « Au pays du sang et du miel », elle se concentre cette fois sur un héros américain : Louis « Louie » Zamperini.
Vivre à tout prix
Adapté du livre de Laura Hillenbrand, » Unbroken : A World War II Story of Survival, Resilience, and Redemption », paru en 2010, le film retrace le parcours à peine croyable de cet américain d’origine italienne. Ancien délinquant, il retrouve le droit chemin par le sport. Coureur de fond, il a fini 8ème aux JO de Berlin en 1936.
Quand la guerre est déclarée, il entre dans l’US Air Force. Son avion bombardé se crashe en mer. Louis Zamperini dérive alors 47 jours durant sur un radeau. Il fait fait prisonnier par les Japonais et deviendra la bête noire e son geôlier qui le torture plus que de raison pendant 27 mois. Il survit par miracle, est libéré après la capitulation de l’Empereur.
Résilience
De retour aux Etats-Unis, complètement traumatisé, il sombre dans l’alcoolisme puis rencontre le prêcheur Billy Graham et rencontre Dieu et repart pardonner à ses bourreaux au Japon. A plus de 90 ans, Louis Zamperini fait toujours du sport (du skate et du ski paraît-il) et a toujours la foi.
Depuis que son duo musical a pris fin, Llewyn Davis, un guitariste et chanteur folk, tourne en rond. Sans argent (son album solo n’a pas marché), il se produit toujours dans le même bar du Village à New York (on est au début des années 60), erre de canapés en plans foireux, à la recherche d’un sens à sa vie et pourquoi pas d’une issue à ce cercle infernal. La trouvera-t-il ?
En rond
Le nouveau film des frères Coen a ceci d’étonnant : il pourrait difficilement être mieux écrit, mieux filmé, mieux interprété, mieux centré sur son personnage qu’on ne quitte pas une minute et pourtant, il est loin d’être enthousiasmant, passionnant. Sans qu’on s’y ennuie vraiment. Le rythme, lent, semble d’abord un atout quand les deux réalisateurs prennent le temps d’écouter leur héros chanteur, en le filmant en gros plan…
Mais, ce personnage qui n’évolue pas – ce qui est normal, vu qu’il tourne en rond, empêtré dans une situation que l’on découvre au fil du film et dont il ne peut se sortir – qui est constamment pris dans ses propres contradictions (d’où le titre), qui enchaîne sans cesse les mêmes (petites) erreurs, les mêmes mauvais choix, qui accumule les mêmes rancoeurs, finit quand même par le rendre énervant, voire lassant.
Non pas qu’il faille absolument un héros positif à un film, mais ici, sa constante indécision, son refus de l’engagement et du dépassement de ses paradoxes finissent par avoir raison de l’intérêt qu’on lui porte, et par ricochet que l’on porte au film.
Fabuleux Oscar Isaac
Rien à reprocher non plus aux acteurs. Oscar Isaac, à peine croisé dans « Sucker Punch, Drive » ou « W.E » de Madonna, est excellent : il parvient à traîner sa langueur en gardant son charme, qui s’éveille à chaque fois qu’il prend sa guitare. On devrait le revoir très vite, dans un ovni baptisé Thérèse, inspiré de Thérèse Raquin, dans Mojave aux côtés de Louise Bourgouin, dans « Two faces of January » donnant la réplique à Viggo Mortensen et à Kirsten Dunst, dans un film de science-fiction « Ex-Machina ». Carey Mulligan, Justin Timberlake sont méconnaissables, mais convaincants, dans des rôles plus mineurs toutefois.
Le film a reçu le Grand prix au Festival de Cannes 2013.
Avec Oscar Isaac, Carey Mulligan, John Goodman, Garret Hedlund, Justin Timberlake…
2012 – USA – 1h45
Les autres films du 6 novembre chroniqués sur cine-woman :
Un film d’horreur pour jeunes enfants ? En voilà une bonne idée pour Halloween. Cette création, qui ne ressemble à rien de connu jusqu’ici, est le premier long métrage d’un réalisateur japonais, Hitoshi Takekiyo.
Dans un labo de sciences
L’histoire elle-même est originale : trois petites chipies qui n’ont peur de rien se glissent dans le laboratoire de sciences de leur nouvelle école.
Là, elles se moquent d’un mannequin, l’écorché, toujours flanqué d’un squelette. Pour se venger, il leur propose de participer à trois épreuves impossibles. Les petites décident de relever le défi…
En forme
Plus que le scénario alambiqué, c’est la forme qui fait tout l’attrait de ce film. Les décors reprennent les codes des films d’horreur traditionnels en les parodiant : l’école hantée ressemble à un pensionnat gothique, strié d’éclairs, les personnages évoluent sur fond noir, révélant ainsi leurs couleurs les plus vives, presque fluo, même les héros (le squelette et l’écorché) donnent la frousse…
Dommage que l’histoire soit un peu polluée par des messages parallèles (la machine à voyager dans le temps, par exemple) ou des pistes mal exploitées (le look punk d’une des fillettes) et qu’elle finisse dans un délire total, car sa construction proche de celle des jeux vidéo avait de quoi séduire les enfants. Au moins les plus kamikazes, ceux qui frissonnent à l’idée d’avoir peur. Attention, le film peut être terrifiant !
Sylvain Chomet, le réalisateur, s’était fait remarqué avec deux dessins animés particuliers : « Les triplettes de Belleville » et l’hommage à Jacques Tati, « L’Illusioniste ». Il délaisse cette fois l’animation pour une fiction avec de vrais acteurs tout en gardant le style qui est le sien, reconnaissable entre tous. Ses obsessions aussi, d’être mal inséré dans la société.
33 ans et pas un mot
« Attila Marcel » raconte la triste vie de Paul, 33 ans, mutique depuis la mort de ses parents, lorsqu’il avait deux ans. Ses tantes, deux vieilles filles aristocrates, l’ont pris sous leur aile et en ont fait un très bon pianiste, qui pour l’instant les accompagne lorsqu’elles donnent leur cours de danse. Le destin de Paul va pourtant basculer quand il rencontre Mme Proust, une excentrique qui l’aide à revenir sur le traumatisme de son enfance.
De sa période animation, on reconnaît aisément le goût de Sylvain Chomet pour des décors soignés et irréels, l’incroyable accumulation de détails et sa passion nostalgique pour les années 1950, 1960 et 1970. L’univers visuel est parfait.
Sans âme
Malheureusement, le scénario n’est pas à la hauteur et on s’ennuie ferme à regarder chacun de ses personnages truculents faire son numéro sans que l’histoire de ce garçon nous passionne. Les parties chantées ne sont guère plus séduisantes. On est toutefois ému en voyant Bernadette Lafont dans son dernier rôle.
De Sylvain Chomet, avec Guillaume Gouix, Anne Le Ny, Bernadette Laffont, Hélène Vincent…
Troisième (et on espère dernier) épisode de la pauvre petite famille riche de Mademoiselle Bruni-Tedeschi. Le récit s’échelonne sur trois saisons identifiées, l’hiver, le printemps et l’été et raconte pêle-mêle l’agonie puis la mort du frère atteint du sida, la vie sentimentale complexe de la sœur Louise (Valeria) qui n’a qu’une obsession avoir un enfant à 43 ans, l’étrangeté de leur mère, actrice d’un show permanent, les difficultés financières de cette famille industrielle italienne, qui possède beaucoup (un château en Italie notamment que le frère ne veut pas vendre, un Brueghel l’ancien etc) mais n’a plus les moyens de son train de vie…
Moi, moi, et encore moi
Valeria Bruni-Tedeschi prétend parler de l’intime, en fait, elle ne parle que d’elle-même sans se rendre vraiment compte d’autres individus existent, ni qu’ils méritent bien sûr la moindre attention.
Outre cet ultra-égocentrisme déjà malsain, l’autre aspect abject du film est son impudeur et son indécence permanentes. On ne sent aucune distance de la réalisatrice par rapport à ce qu’elle raconte et qui s’avère être sa vie. Et même si elle pratique un peu l’humour à ses dépends (quand elle est à l’hôpital pour sa FIV par ex ou à Naples pour s’asseoir sur un fauteuil qui favorise de fertilité), elle ne perçoit pas, semble-t-il, que ses démarches correspondent à des pulsions très égoïstes, à des caprices pour ne pas dire des passe-droits qu’elle s’arroge parce qu’elle est comme ça, issue d’un cocon gâté, richissime qui la coupe du monde et de la réalité.
En vase clos
On attendait plus de distance, plus d’intelligence aussi et beaucoup plus d’humour. Une des clés aurait été de confier les rôles de ses proches non pas à ceux (sa mère, elle, son mec Louis Garrel…) qui les ont tenu dans la vraie vie, mais à de vrais acteurs, qui, en se les appropriant, en auraient fait des personnages de fiction. La meilleure preuve en est que le seul personnage vraiment intéressant est Ludovic, le frère, évidemment confié à un acteur, Filippo Timi, mais dont le rôle n’est pas assez développé pour qu’on le comprenne au mieux. Non, ce qui compte c’est cette hystérie à vouloir un enfant à tout prix, thème déjà traité dans son film précédent, « Actrices » et cette complaisance à mettre en scène les disfonctionnements de cette grande famille en pleine dégénérescence.
D’autres, Visconti pour ne citer que lui, ont déjà traité le sujet de la faillite financière et morale de ces familles avec un autre pertinence, et cela bien qu’il en soit lui-même issu. Là, on la regarde le nez collé à la vitre d’un monde qui n’a aucune empathie pour nous, avec l’impression malsaine de les voir s’ébattre, se plaindre, dégénérer, parader aussi sans complexes. Comme si leur vie pouvait être plus intéressante que la nôtre. Mais non, elle est seulement pathétique et le regard de la réalisatrice, complaisant. Rien de plus.
Un bon point : la bande-son qui est à la fois touchante, nostalgique et originale. Ce film était le seul réalisé par une femme en Sélection Officielle au Festival de Cannes 2013. Quelle déception!
De Valeria Bruno-Tedeschi, avec Valeria Bruno-Tedeschi, Louis Garrel, Filippo Timi, Xavier Beauvois…
2013 – France/Italie – 1h44
Les autres sorties du 30 octobre traitées par cine-woman :
Alors, c’est comment là-haut ? A quelques 500 km au-dessus de la terre ? Dans le silence quasi-absolu et au milieu de cette grande immensité qu’est notre univers ? Jusqu’à présent, seuls quelques chanceux ont eu l’occasion de tester cette sensation inouïe de l’apesanteur et l’autre, encore plus audacieuse, de regarder la terre de haut, de très très haut.
Vu du ciel
Grâce à la caméra subtile d’Alfonso Cuaron, nous serons bientôt des centaines de milliers (des millions qui sait ?) à connaître ce détachement terrestre, cette impression de légèreté, celle de l’extrême lenteur des mouvements, du souffle court sans espoir de recharge d’oxygène, cette disparition quasi totale des repères physiques et visuels qui sont les nôtres habituellement.
Le film de Cuaron est avant tout une expérience sensorielle, celle d’être projeté dans l’espace et d’avoir l’impression extraordinaire d’y être vraiment. Comme l’est Sandra Bullock quand les attaches qui la retiennent à quelque station spatiale quelconque rompent brutalement et la projette dans le vide.
Vide sidéral
On descend en chute libre avec elle, sans retenue et sans moyen de freiner cette descente aux enfers sauf à prendre le temps d’admirer au passage l’immensité sombre, un lever de soleil ou bien encore les découpes des continents qui plongent dans les océans qui les bordent. En évitant bien sûr au passage une pluie de météorites ou en frissonnant à l’idée d’extrême solitude dans laquelle on est redoutablement plongé.
Jamais, et même dans toutes les attractions les plus sophistiquées qui soient, devant les écrans de simulation les plus récents, la sensation n’a été si parfaite, n’a semblé si proche de la réalité. Et c’est évidemment cette sensation extrême, extraordinaire et terriblement dangereuse qui fait tout le sel de ce film.
Imax si possible
Il semble désormais acquis le Gravity sera projeté dans les salles Imax dans lesquelles la sensation d’être dans l’espace devrait être encore plus forte. Il faut essayer de voir le film a minima en 3D, dans les meilleures conditions pour en maximiser les effets.
Le scénario ? Ah pardon ! Il tient en une ligne mais ce n’est pas l’essentiel : lors de sa première sortie dans l’espace, une scientifique en ingénierie médicale (Sandra Bullock qui, pour une fois, a oublié ses tics de comédie, son humour balourd, sa maladresse proverbiale pour un jeu relativement humble) doit faire face seule à un grave accident. Sans navette spatiale, sans co-équipier chevronné et avec très peu d’oxygène, elle va devoir essayer de regagner la terre… pour sauver sa peau. Y parviendra-t-elle ?
D’Alfonso Cuaron, avec Sandra Bullock, George Clooney…
2013 – USA – 1h30
Les autres sorties du 23 octobre traitées par cine-woman :
Grandir, documentaire familial de Dominique Cabrera,
« Ma maman est en Amérique, elle a rencontré Buffalo Bill » sortira le 23 octobre 2013. Mais, cela fait déjà presque cinq ans que la société de production Label Anim s’est mise à travailler à ce dessin animé. Un travail de longue haleine… Cinq ans? Une éternité! Détailler les différentes étapes de ce projet permet de comprendre un peu mieux pourquoi sa gestation est si longue…
1ère étape : le livre
Tout a commencé par un livre que Guillaume Galliot, producteur associé de Label Anim, découvre. Un vrai coup de cœur ! Guillaume s‘emballe pour l’histoire de Jean, ce petit garçon d’à peine six ans, qui rentre au CP et que l’on va suivre jusqu’à Noël.
Jean est très impressionné par sa nouvelle école, sa nouvelle maîtresse… Surtout il ne comprend pas où est sa maman et n’ose le demander à personne : pas à son père qui est un directeur d’usine très occupé, ni à son petit frère Paul qui n’en sait pas plus que lui, ni à ses grands-parents maternels chez qui il passe ses vacances de la Toussaint.
Seule Michèle, sa voisine de deux ans son aînée, lit des cartes postales du monde entier que sa mère lui aurait adressées. Alors l’imagination de Jean s’envole… et comme il a beaucoup d’imagination, sa vie devient une aventure.
2ème étape : le scénario
Fin 2008, Label Anim achète les droits du roman pour l’adapter en dessin animé. La première étape consiste à écrire lescénario auquel Jean Regnaud l’auteur de la BD et qui s’est inspiré de son enfance pour raconter l’histoire de Jean, participe. Le scénario connaîtra une dizaine de versions différentes.
Le scénario fini, la société de production parisienne Label Anim commence à chercher des financements et c’est au Cartoon Movie de Lyon que les premiers partenaires s’engagent. Le film trouve notamment un co-producteur luxembourgeois, Mélusine, et un distributeur (c’est lui qui s’occupe de sortir le film en salle quand il sera fini) Gebeka, aussi basé à Lyon.
3ème étape : l’entrée en production
Puisque le tour de table financier semble bien parti, que les partenaires sont suffisamment nombreux, il est temps d’« entrer » en production, un long processus où les étapes se suivent dans un ordre précis. C’est la fabrication du film en lui-même et le processus va durer au moins deux années.
La Bible
1) Les dessinateurs commencent à adapter les dessins du livre pour le dessin animé. Pour chaque personnage, ils font des planches d’esquisses et sélectionnent les visages qu’ils utiliseront.
2) Ils font ensuite le même travail avec ses différentes expressions.
3) Une fois les traits des personnages dessinés, les coloristes choisissent de manière très précise les couleurs choisies pour chaque dessin.
4) Enfin, est évaluée la taille respective des personnages dans les espaces où ils évoluent.
De toutes ces études naît une « bible », un document qui répertorie toutes les références nécessaires pour « dessiner » le film. Les détails fournis doivent être très clairs et très précis car l’animation et la coloration sont faites au Luxembourg et en Chine.
Une fois tous ces éléments déterminés, est construit le story-board, qui raconte l’intégralité du film en dessin, en suivant le scénario. Comme une bande dessinée sans paroles.
Les « sons »
Ensuite, les voix des personnages sont enregistrées. Cette étape se fait très amont afin que les animateurs puissent ensuite « caller » les actions des personnages sur ce qui a été enregistré, notamment pour ce qui concerne les mouvements de leurs lèvres (lips).
Maintenant que les personnages sont bien étudiés, que leur voix sont enregistrées, vient le temps de travailler sur les décors.
Les décors
Pour bien cerner l’ambiance que les dessinateurs veulent donner au film, pour bien respecter les proportions et les perspectives, ils repèrent des endroits réels qui vont les inspirer.
500 000 dessins
Une fois toutes ces bases choisies, reste alors à dessiner consciencieusement chaque image – et quand on sait qu’un film passe 24 images par seconde, ça fait beaucoup de dessins, environ 500 000 ! ) pour pouvoir ensuite les animer. Et certaines fois, les dessins du livre ne conviennent pas tout à fait à la manière dont l’histoire est racontée dans le film. Les dessinateurs l’adaptent. C’est le cas de cette scène, avec d’abord la version du livre et ensuite, celle du film.
Plus de deux ans de travail à Paris, au Luxembourg et en Chine auront été nécessaires pour achever « Ma Maman est en Amérique, elle a rencontré Buffalo Bill ». Il a été présenté au public pour la première fois le lundi 10 juin 2013 au Festival International d’animation d’Annecy où il était en compétition et a raflé une Mention spéciale. Il sortira en salle partout en France le 23 octobre 2013.
Pour toutes celles a qui ça aurait échappé, Carine Roitfeld, la papesse de la mode, la Anna Wintour française en plus sympa, a quitté Vogue après dix ans de bons et loyaux services. Que faire justement quand on a révolutionné l’image de la mode dans les années 1990? Quand on a inventé le porno-chic avec Tom Ford?
CR Fashion book
Carine Roitfeld, la parisienne, a décidé de s’installer à New York et d’y lancer un nouveau magazine, une sorte de mook sur la mode à la périodicité rare. Fabien Constant, le réalisateur, a justement eu l’idée de la filmer au moment où elle en jetait les bases.
On assiste donc à la première rédaction et finalement à toute la conception de ce magazine d’un genre un peu nouveau, qui choisit une thématique générale qu’il décline dans toutes ces photos de mode. « CR Fashion Book : issue 1 Rebirth » (c’est le nom du magazine) prend donc forme sous nos yeux, au gré des shootings réunissant toutes les vedettes de la planète mode, des créateurs aux photographes en passant par les mannequins.
Vie privée publique
Un peu comme l’était The September Issue, le film consacré à l’énorme numéro que publie chaque année le Vogue américain. Sauf qu’en plus de suivre la fabrication du journal, Carine Roitfeld se livre, mélangeant savamment sa vie familiale (en même temps que son magazine prend vie, sa petite fille naît) avec la gestation de son journal. Ses proches intervenant eux aussi en entretien filmé.
Ce parti pris au départ dérangeant finira par devenir le point fort de ce documentaire. Car, et même si elle a la réputation d’être accessible, au début du film, Carine Roitfeld est d’une arrogance rare. Mais, à force de se confier, à force d’inviter ses proches à parler d’elle, elle finit par devenir une personnalité attachante, certes extrêmement déterminée et consciente de sa valeur, pas très modeste mais pleine d’un enthousiasme et de valeurs qui méritent d’être partagées. Celles qui peut-être ont fait son succès eta la propulsent dans cette nouvelle aventure, très auto-marketée et auto-centrée.
Enfin, une question restera en suspens : pourquoi les rédactrices de mode sont-elles si souvent si mal habillées, mal coiffées et mal maquillées?
De Fabien Constant, avec Carine Roitfeld, Stephen Gan, Karl Lagerfeld, Tom Ford, Bruce Weber, Linda Evangelista, Karolina Kurkova…
2013 – France – 1h32
Les autres films du 16 octobre chroniqués sur cine-woman :
Le cinéma a-t-il un sexe? C’est ce qu’ont voulu savoir Julie Gayet et Mathieu Busson dans leur documentaire très instructif : Cinéast(e)s. Tellement cine-woman…